Film après film, Bong Joon-Ho aiguise son cinéma. Barking Dogs Never Bite restait confidentiel et plutôt autobiographique, Memories of Murder s’attaquait à l’histoire du plus grand serial killer coréen et The Host plongeait carrément dans le fantastique. Avec Mother, le coréen nous livre un film-somme grandiose, nourri par l’expérience engrangée lors de ses trois précédents longs, tous aussi admirables les uns que les autres.

Grâce à Cinefriends, nous avons eu la chance de rencontrer le cinéaste, réservé et sympathique, dans un hôtel parisien du 6ème arrondissement. Alors, en compagnie de Sandra (In The Mood For Cinema), Angie (Angie’s Sweet Home) et Kizushii (Sancho.Does.Asia qu’on remercie chaudement pour leur retranscription), nous l’avons mitraillé de questions sur son art et sur son dernier film…

Pouvez-vous nous parler de l’actrice qui joue le rôle de la mère, et qui était à la base du projet Mother ?

Kim Hye-ja a 40 ans de carrière. Je me suis demandé quel film réaliser pour la faire tourner. C’est une icône qui interprète toujours les rôles de “mère nationale”. Je ne sais pas si je suis pervers, mais à chacune de ses apparitions à la télévision, je décelais dans son jeu une certaine folie. Or, elle a toujours joué des rôles de mère très vertueuse et très généreuse. Dans le film, vous avez sans doute constaté qu’elle était au bord de la folie. Ce n’est pas son interprétation, elle est réellement comme cela (rires). Si elle n’avait pas accepté le rôle, le film n’aurait pas vu le jour.

Qu’est ce qui a dicté vos choix esthétiques dans ce film ?

Je voulais faire un film qui soit assez simple et assez puissant, car je souhaitais me concentrer sur la relation mère-fils. Surtout sur la mère d’ailleurs, puisque c’est le titre du film. C’est pour cette raison qu’il y beaucoup de gros plans. Je l’ai aussi fait car j’avais confiance en mon actrice. A l’inverse, il y a aussi des plans très larges où l’on voit la mère qui ressemble à un grain de sable à l’écran. Ce n’est pas pour montrer la beauté des paysages, mais pour montrer à quel point elle pouvait se sentir seule dans la lutte acharnée qu’elle menait, dans son désespoir… Je voulais vraiment le montrer en cinémascope.

Comment travaillez-vous vos plans, qui sont très soignés ? Faites-vous un travail important de storyboard ou travaillez-vous dans le feu de l’action ?

C’est très contradictoire. Comme j’écris le scénario du film et je dessine le storyboard du film en même temps, j’ai déjà une idée assez précise des plans que je veux tourner. Une fois sur le lieu de tournage, je me demande comment je peux me détacher de tout ça. Je respecte en général ce que j’avais prévu sur le plan technique : la position de la caméra, la taille du cadre… Mais en ce qui concerne les acteurs, leur jeu, leurs sentiments et leurs dialogues, je prête beaucoup d’attention à ce qui peut être improvisé sur place.

Dans quelle mesure votre cinéma rejoint l’acte politique ?

En tant que réalisateur je suis un être humain et quoi que nous fassions, nous sommes tous amené à avoir une identité politique, même involontairement. Par rapport à mes deux précédents films, Memories of Murder et The Host, le commentaire politique et social est quand même beaucoup moins présent. Le film se concentre surtout sur la relation mère et fils. Et puis les policiers sont plus attachants que dans mes films précédents. Je ne voulais pas les montrer d’une manière détestable ou haineuse même s’ils continuent de commettre des fautes irréparables. Je n’ai pas voulu les montrer comme des idiots. Tout le monde à droit à l’erreur.

Et puis, Memories se déroule dans les années 80, la police frappait les suspects à l’époque. Aujourd’hui, ils frappent des pommes (cf Mother) !

Qu’est-ce qui vous passionne dans ces scènes d’interrogatoires, toujours marquantes chez vous…

J’aime ce moment-là. Depuis mon enfance, j’ai toujours aimé ces ambiances de chasse à l’homme. Le principe de l’interrogatoire est quelque chose de réellement sombre. Mais en prenant de la distance, cela peut devenir comique et brouiller les genres.

Pourquoi avoir décidé de faire un film plus intimiste après vos deux films précédents qui parlaient de la société coréenne ?

Après avoir fini The Host, je me suis aperçu qu’il s’agissait d’une grande vitrine de la satire. Je dénonçais le système, la société coréenne, les États-Unis… Avec Mother, j’ai voulu un film plus intimiste, pour prendre le contre-pied du précédent en quelque sorte. Pour pouvoir scruter en profondeur l’être humain, et surtout cette relation très simple entre une mère et son fils. Comme si je regardais dans un trou très étroit et très profond.

Dans vos films, vous reprenez souvent le schéma de gens ordinaires au milieu de situations exceptionnelles, mettant ainsi en relief certains côtés sombres de la société coréenne.

C’est vrai, j’ai tendance à mettre des individus dans des situations extrêmes. Et c’est exactement ce que je veux. Mais mon but n’est pas de dénoncer ou de montrer le côté sombre de la société coréenne à travers ces situations. Il s’agit plus de montrer l’instinct de l’être humain quand il est confronté à de telles situations. Jusqu’à présent, je parlais de la société coréenne à travers mes personnages car ils étaient coréens. La situation sera différente dans mon prochain film (cf Le Transperceneige) et elle l’était déjà dans le segment de Tokyo que j’ai réalisé. J’y parle d’un hikikomori (jeunes japonais vivant cloitrés chez eux ndlr) il est donc forcément dans une situation extrême étant donné son statut, et n’est pas coréen.

Pouvez-vous nous parler du thème de la culpabilité autour duquel s’articule votre film ?

Ce sont les notions de culpabilité et de châtiment qui me sont importantes. Je me demande si le crime et le châtiment doivent aller de pair. Est-on toujours condamné pour un crime que l’on a commis dans notre vie quotidienne ? Je me dis que finalement beaucoup de crimes n’ont jamais été jugés et que beaucoup d’innocents ont été condamnés. Je voulais en parler de façon très ironique, mais aussi du destin qui fait que des personnes comme cela existent.

Avez-vous été influencé par le film The Last Witness réalisé en 1980 par Lee Du-yong ? Quelles sont vos influences en général ?

C’est un grand classique du cinéma coréen qui est en train de renaître grâce à l’édition DVD de la Korean Film Archive. Malheureusement je ne l’ai pas encore vu, mais cela ne saurait tarder car je l’ai acheté. Je l’ai souvent dit dans mes interviews, si j’ai une référence absolue, c’est le réalisateur coréen Kim Ki-young, le réalisateur de La servante. Je ne sais pas si nous avons un style commun, mais je suis un très grand fan. Je vous le conseille vivement si vous ne le connaissez pas. J’aime son univers très spécial, très grotesque qui lui est propre. Son style donne l’impression qu’il dissèque, comme un docteur qui dissèquerait ses patients. Et en même temps, il s’attache beaucoup aux particularités des êtres humains. Je pourrais presque aller jusqu’à le comparer avec Luis Buñuel et Shohei Imamura.

Enfin, comment envisagez-vous l’adaptation de la bande-dessinée Le Transperceneige que vous êtes en train de préparer ?

Je pense que le film sera assez différent de la bande-dessinée. Elle avait de très grandes idées que je respecte beaucoup, mais dans les détails et dans l’histoire il y aura pas mal de changements. Je suis en train d’écrire le scénario, mais malheureusement cela prend du temps car je suis quelqu’un d’assez lent. J’espère cependant terminer la pré-production du film l’année prochaine.

Je suis tombé par hasard sur cette BD. C’était il ya cinq ans dans une libraire coréenne. Pendant ces cinq années plusieurs idées se sont bousculées dans ma tête et maintenant je couche tout ça sur papier.

Propos recueillis par Showtime Folks et Sancho Does Asia (Paris – Décembre 2009). Traduction assurée par Yejin Kim.

On peut avoir été chef décorateur sur une pub Nestlé et gagner le prix de la mise en scène à Cannes. Brillante Mendoza le sait mieux que personne puisqu’il a commencé dans la pub avant de se voir remettre le prestigieux prix des mains de Terry Gilliam, en 2009, pour son dernier effort Kinatay.

Le philippin a confirmé qu’il était une bête de festival. Son film Serbis était présenté l’année précédente à Cannes et son prochain long, Lola, concourait déjà à Venise en septembre dernier. Pour apprécier le chemin parcouru, voici trois spots télé sur lesquels “Dante” Mendoza a travaillé. La publicité qui lui “ressemble” le plus étant celle qu’il a réalisé en 2006, avec son sens aigu du détail…

Rolling pour Pondo Ng Pinoy(2006) réalisé par Brillante Mendoza.

Faces pour Nestlé (Chef décorateur : Brillante Mendoza).

Ang Saya pour Smart Buddy (Chef décorateur : Brillante Mendoza).

En 1996, le futur réalisateur de Donnie Darko et de The Box (cette semaine dans les salles) étudiait le cinéma à la USC School d’où sortent les John Carpenter, James Gray et George Lucas, entre autres. L’exercice, pour Richard Kelly, était de réaliser son tout premier court-métrage, avec comme consignes, de ne pas dépasser les six minutes (il en fera finalement huit) et de ne pas utiliser de dialogues traditionnels (il optera pour une discrète voix off).

Le résultat, brillant, est un mélange entre  Shining et un épisode de La quatrième Dimension. Cela s’appelle The Goodbye Place. Et à 21 ans, Kelly démontre qu’il sait déjà parfaitement installer une ambiance mystique.

Le conseil de la semaine : ruez-vous dans la salle la plus proche pour voir Funny People (si ce n’est pas déjà fait). Parce que nous, on n’a qu’une envie : y retourner ! C’est un fait : Judd Apatow, élu un peu vite nouveau roi de la comédie américaine, se bonifie à chaque réalisation.

Si Funny People a tendance a noircir un peu le tableau (ça reste du Judd Apatow, tout de même) avec son personnage principal (Adam Sandler, bluffant) totalement incapable d’être heureux, il faut se tourner du côté des influences du cinéaste, récoltées au détour de ses films et de quelques interviews, pour comprendre cette nouvelle direction. Les choix d’Apatow en matière de films sont révélateurs puisqu’ils lorgnent franchement vers la comédie, d’une part, mais sont aussi d’une grande puissance émotionnelle, d’autre part. Une combinaison qu’on retrouve notamment dans son petit préféré : Bienvenue Mister Chance avec Peter Sellers…

1. Bienvenue Mister Chance (1979) d’Hal Hashby

“C’est le genre de film que j’espère être capable de faire un jour” déclare Judd Apatow à propos du film d’ Hashby. Surtout connu pour le changement de registre de Peter Sellers dans son dernier grand rôle, Being There (son titre original) suit l’ascension d’un simple jardinier dans les hautes sphères publiques, la faute à un fort pouvoir de persuasion de la télévision.

2. La dernière corvée (1973) d’Hal Hashby

Vous l’aurez compris, Apatow est fan d’Hashby. Le poster de The Last Detail (titre original) trône même dans l’appartement d’Ira (Funny People). Jack Nicholson y joue un marin, chargé d’escorter un jeune prisonnier en compagnie d’un collègue. Les trois lascars décideront plutôt de prendre du bon temps à la place. “C’est à la fois bouleversant et hilarant, mon cocktail préféré.” Apatow dit aussi apprécier le ton cru du film, plutôt révolutionnaire à cette époque. Shocking !

3. Fast Times at Ridgemont High (1982) d’Amy Heckerling

“Un de mes films préférés de tous les temps.” Pas étonnant. Ambiance teenager assurée sur fond de discours sur l’avortement. On aperçoit également le poster du film chez la bande de jeunes comiques de Funny People. Si vous considerez que Sean Penn est le meilleur acteur du monde, vous ne devriez peut être pas regarder ce qui suit…

4. Tendres Passions (1983) de James L. Brooks

5 Oscars, rien que ça, pour le drame de Brooks, Terms of Endearment (titre original). On y retrouve aussi Nicholson, chouchou d’Apatow, en astronaute. “Une grosse partie du film traite du cancer. C’est fait avec réalisme et il contient de grands moments de comédies. Ce n’est pas du tout un film larmoyant.” Ça ne vous rappelle rien ?

5. Seize bougies pour Sam (1984) de John Hughes

Souvent comparé à John Hughes, Apatow avoue une sincère admiration pour le réalisateur regretté, que ce soit pour Sixteen Candles (titre original) ou Un ticket pour deux (Planes, Trains & Automobiles) dans lequel joue un autre de ses héros, Steve Martin. Apatow a d’ailleurs produit le sous-estimé Drillbit Taylor en se basant sur une ébauche de scénario signée Hughes. Dans Sixteen Candles, John Hughes filmait  les péripéties sentimentales d’une ado dont tout le monde a oublié l’anniversaire…

6. Broadcast News (1987) de James L. Brooks

Encore Brooks, encore les coulisses de la télévision et toujours Nicholson, dans un rôle anecdotique de présentateur télé. Difficile de ne pas penser à Présentateur vedette : La légende de Ron Burgundy, farce géniale écrite par Judd Apatow des années plus tard.

7. Harold et Maude (1971) d’Hal Hashby

Troisième nomination pour Hashby dans cette liste. Ce classique de l’humour noir s’attaque à la différence d’âge dans la relation amoureuse. Harold a 19 ans mais aime Maude qui en a 79. L’ainée des filles Apatow récoltera d’ailleurs le prénom de cette vieille bique pas du tout acariâtre.

8. Bienvenue dans l’âge ingrat (1995) de Todd Solondz

Teen movie trash, Welcome to the dollhouse (titre original) inspirera Apatow sur sa série télé Freaks and Geeks. “Heather Matarazzo, dans le rôle de Dawn Wiener, est l’un des plus grands nerds jamais vus au cinéma ou à la télévision.” Wiener, c’est aussi le véritable nom de famille du personnage de Seth Rogen dans Funny People. A propos du cinéma de Solondz, il avoue : “Je ne pense pas qu’on ait la moitié des couilles de cet homme ! “

9. Tootsie (1982) de Sidney Pollack

Celui-là, on le connaît tous (merci TF1 pour ces multi-rediffusions). Dustin Hoffman se travestit pour trouver un rôle, ett une nouvelle fois, on entre dans les coulisses d’Hollywood. “Tootsie est un film parfait. Je le revois dès que je peux.”

10. Frankenstein Junior (1974) de Mel Brooks

Un autre Brooks cette fois puisqu’il s’agit de Mel et de son délirant Young Frankenstein (titre original), qui parodie les classiques de l’horreur. Il s’agirait d’un des préférés d’Apatow qui en a profité pour afficher de vieux posters horrifiques dans l’appartement de Steve Carrell (40 ans toujours puceau).

On aurait pu également citer des films plus récents comme l’excellent Punch Drunk Love, premier réel contre-emploi pour son buddy Adam Sandler ou, plus étonnant, Brokeback Mountain, qu’on aperçoit en arrière plan dans En cloque, mode d’emploi.

Judd Apatow, de passage à Paris pour une drôle de masterclass, évoquait également linfluence des Marx Brothers (“Je regardais les Marx dès l’âge de 10 ans.”) mais aussi celle de Woody Allen :  “Woody Allen est un roi, nous sommes tous d’accord. Je n’arrive même pas à admettre que nous faisons le même métier.”

Sources : Rotten Tomatoes, IMDb, Technikart n° 136.

Joburg, c’est Johannesburg bien sûr. En prenant le ton du documentaire pour raconter l’apartheid appliqué aux aliens, le court-métrage de Neill Blomkamp donnera bien des idées à Peter Jackson, futur producteur de District 9. Et malheureusement pour nous, la fameuse loi des 9 va sévir : on obtient un long-métrage bancal construit sur une idée de court-métrage.

Si vous êtes aussi frustrés que nous après avoir vu District 9, il est donc préférable de s’en retourner au court originel et aux autres travaux du réalisateur. Celui-ci a d’ailleurs dû jouer aux Transformers étant petit car on retrouve dans son travail une pub Citroën bien connue dans laquelle une voiture se met à danser.

Alive in Joburg (2005)

Tetra Vaal (2005)

Yellow (pour Adidas) (2006)

Pubs pour Gatorade (Rain) (2006)

Pub pour Citroën (Alive with Technology) (2004)

Pubs pour Nike : Evolution (2004) et Crab (2003)