Aujourd’hui même sort le nouveau film des studios Pixar, Toy Story 3. Arf, encore un Toy Story se diront certains. C’est vrai qu’avec Wall-E, puis Là-Haut on s’était habitué à des idées originales. Mais bon, une fois de plus,  Pixar épate, énerve même tant le studio d’animation fait preuve de régularité.

Même en réalisant un troisième Toy Story, dont on pensait avoir fait le tour, Lee Unkrich nous délivre peut-être le meilleur film de la saga. Après une première scène assez décevante, le film se remet tout de suite dans les rails avec un procédé bien huilé, emprunt de nostalgie et drôle à en mourir.

Comédie, film de prison, d’aventure et beauté graphique à tomber, Toy Story 3 est le film d’animation de l’année, un point c’est tout. Et Pixar reste roi dans son royaume, ce qui promet de jolies choses pour Cars 2, prévu pour 2011.

En avant-séance, vous aurez droit au court-métrage Day & Night, petit bijou d’inventivité, qui justifie plus le prix des lunettes 3D que le film, en raison d’un jeu sympathique sur la profondeur de champ. Voici le court dans son intégralité pour les plus impatients :

Voir Day & Night de Teddy Newton

“La fourrière” (traduction littérale de Dog Pound) pourrait servir de sous-titre au film. Toujours aussi radical, le cinéma de Kim Chapiron prend une autre dimension avec ce film de prison parfaitement réussi.

On avait adoré Sheitan, qui semble réservé à un public d’initié, mais avec Dog Pound le jeune cinéaste se lance dans un autre genre tout en gardant sa signature. Exemple, cet art de raconter un rêve en images, qui renvoie directement à la scène du camping dans Sheitan.

Après s’être plongé dans l’univers carcéral pour écrire le film, Chapiron nous livre son expérience brute, sans pour autant donner de leçons. Les acteurs (tous parfaits) sont authentiques, comme la violence et la rage qui  ressortent du film.

Pas de réel point de vue donc, de la part du réalisateur mais un exercice de style terriblement efficace. Le film du mois de juin, sans aucun doute…

Ça y est, c’en est fini de Shrek. Il était temps diront les mauvaises langues. Certes, tous les épisodes de la saga ne se valent pas, mais ce quatrième du nom offre une jolie sortie de scène à notre ogre préféré. Les raisons de cette réussite en 4 points.

- La technique. Le premier plan nous montre le traditionnel livre de conte qui avance lentement vers le spectateur pour se planter juste devant son nez. Le ton est donné, la 3D va vous épater. La réalisation a complètement intégré cette technologie comme on peut le voir dès les premières scènes (le village des sorcières, les scènes de la vie quotidienne). On a beau dire, mais Dreamworks a définitivement su passer le cap du relief. Well done, Jeff Katzenberg.

- La vanne qui tue. C’est aussi ça Shrek, une réplique sortie de nulle part et qui vous fait aimer le film à elle seule. Ici, elle vient du sale gosse du début (vous verrez, il a même une appli iPhone à son effigie). Et puis, la référence à Jeremy Steig n’est pas mal non plus dans le genre…

- La jolie pirouette de fin. Essayons de ne rien révéler du film. Mais cet épisode connaît un sérieux coup de mou en milieu de pellicule. La conclusion, très gentillette et empruntant à Capra, est pourtant très efficace et ponctue le tout sur une bonne note.

- La célébration d’une saga. Le premier Shrek est tout de même sorti il y a 9 ans ! Alors se dire que c’est le dernier tour de piste, ça fait quelque chose. Il en ressort un côté festif et jubilatoire. Le générique de fin est d’ailleurs une jolie façon de clore le chapitre.

En 2 mots : On rit beaucoup, on dort (un peu), et on rit de nouveau. Conseillé pour passer un bon moment entre amis ou en famille.

Mise à prix 2 s’adresse à ceux qui veulent se divertir. Le film de P.J. Pesce n’est pas sorti sur nos écrans mais sera disponible en DVD et Blu-ray à partir du 27 avril.

Walter Weed (Tom Berenger) est un agent du FBI en fauteuil roulant qui combat plus souvent  la paperasse que les terroristes. Il apprend un jour que sa tête est mise à prix. Protégé par le FBI, il a à ses trousses une panoplie de tueurs qui ont une nuit pour l’abattre et toucher ainsi la somme de 3 millions de $. Il y a la famille de chasseurs de primes avec une bimbo, un abruti extrémiste, un dingue et un père pas vraiment protecteur. Mais aussi une femme spécialiste du poison et des flèches ninja, et un psychopathe porté sur la torture (Vinnie Jones).

On retrouve avec plaisir (enfin presque) Tom Berenger déjà présent dans le Sniper 3 du même réalisateur. Le film multiplie les plans saccadés, les effets spéciaux entrecoupés de passages comiques de mauvais goût.  La réalisation “rappelle” celle de Tony Scott pour Domino et Pesce s’essaye en vain à l’imitation de Tarantino. Le sang et les explosions sont au rendez-vous. Mise à Prix 2 reste ainsi fidèle au versant le moins subtil du genre.  Le réalisateur essaye d’insuffler à son film un peu de contenu en intégrant des  sujets sensibles : guerre en Irak, attentats à Madrid, complots. Pesce tente même un retournement de situation à la Usual Suspects. Mais le film reste au final assez illisible.

Il faut quand même souligner le bel effort du réalisateur qui a  proposé une image soignée et une bande-son plutôt pas mal.  P.J. Pesce, habitué des séries (Profiler, Tremors), aurait peut-être mieux fait de sortir la B.O. sans les images.

Si pour Isabelle Adjani “la vieillesse est un monstre”, pour Julie Delpy c’est définitivement une source d’inspiration. Adaptant la légende d’Elisabeth Bathory, la réalisatrice de 2 Days in Paris prend tout le monde à contre-pied en situant La Comtesse dans la Hongrie du 17ème siècle.

Surnommée la Comtesse Dracula, Mme Bathory a pour fâcheuse manie de trucider de jeunes vierges pour récolter leur sang et s’en servir comme d’un sérum anti-âge. A l’aide d’une mise en scène sobre, Julie Delpy installe une atmosphère glaciale dès les premiers plans.

La difficulté était de pouvoir s’approprier une telle légende et en faire un film personnel. On sent très vite que Delpy, qui signe aussi une jolie bande-son pour l’occasion, possède totalement son sujet. L’actrice de 40 ans se filme sans concessions, scrute les moindres ridules de son visage par le biais de la caméra.

Le film prend encore plus de hauteur lorsqu’il flirte avec l’horreur. Un coup de peigne fait aussi mal qu’un coup de couteau. Une violence maîtrisée qui donne froid dans le dos lorsqu’elle vient d’une femme aussi impassible.

Certains reprocheront au film son patchwork d’accents (un casting composé de William Hurt, l’Américain, Daniel Bruhl, l’Allemand, Anamaria Marinca, la Roumaine, et Julie Delpy donc, la Française). Nous préférerons y voir un OVNI réjouissant prouvant une fois de plus le talent de Julie Delpy derrière la caméra.